Дизайнер Seasons Даша Уланова рисует и пишет, делает украшения, шьет и вышивает, учит французский и фотографирует. Она находит вдохновение везде — в блике сизого света, оброненной перчатке, сухих цветах. Даша рассказывает про источники своего визуального вдохновения и делится идеями для дизайнеров.
Предыдущие подборки ниже, а сегодня десятый выпуск — про художницу, которая филигранно работает с силуэтами растений, приложение для дизайнеров и стилистов, про фантазийные миры иллюстратора из Великобритании и датский проект про винтаж и сет-дизайн.
Оглавление
Даша Уланова
Дизайнер Seasons Project
Десятый выпуск
Из-под рук вырастают цветы и птицы, на страницах, плакатах и обложках цветут нежные сады. Художница Лора Жиро, работающая в Париже и Брюсселе, не ограничивается строгим набором средств или тематикой. От работы к работе она исследует новые формы, сюжеты, образы, инструменты — и то, как они взаимодействуют между собой, сохраняя при этом тонкую, неразрывную связь между своими произведениями. Их объединяют воздух и легкость, тонкая и белая, как меренга.
Пустота в творчестве художницы — отдельный инструмент. Герои и образы, созданные с помощью силуэтов, вырезанных в листе, обретают особенную хрупкость и свет — словно это не рисунок, а лишь его тень или эхо.
Приложение Cosmos — «двигатель открытий» для креативных людей, так звучит его описание. Мне же это кажется, скорее, самим космическим кораблем, в который можно сесть и ненадолго «занырнуть» в тихое, выдержанное, но при этом полное идеей и образов пространство. Опыт начинается с интерфейса приложения, который разработан с чуткостью и вниманием к пользователю: здесь все интуитивно понятно; черный фон и отдельные детали (любуюсь шрифтами в Cosmos!) создают характерное и ненавязчивое обрамление. Этот почти аскетичный визуальный минимализм отлично работает с сутью приложения, подчеркивая, что главный герой здесь — кураторская подборка работ из сфер дизайна, интерьера, сет-стайлинга, лэндарта и еще множества направлений, которые можно сохранять себе, создавая мудборды — механизм, знакомый по Pinterest.
Cosmos — как отдельный уголок диджитал-пространства, в который приятно ненадолго погрузиться, напитаться образами и идеями, обновить свои мудборды, не отвлекаясь на лишний информационный шум, и сразу выйти. Задержаться надолго не получится: после такого чуткого соприкосновения с чужим творчеством захочется тут же создавать что-то свое.
В работах Элеанор есть что-то от Джорджо де Кирико или Эндрю Уайетта: фантазииные миры, которые напоминают что-то смутно знакомое, но при этом — далекое от реального мира. Отчуждение, рожденное пустотой и минимумом в изобразительных средствах, не пугает, а скорее притягивает. Миры, большие, как карта сада, или маленькие, словно уголок леса в банке, хочется разглядывать, воображая сюжеты, которые могли бы происходить в этих декорациях. Декорации — точно! Работы Элеанор — словно замерший спектакль, герои и объекты на них — как часть действа, принявшие нарочито театральные, неестественные позы. Это сказка, которая не скрывает того, что она — сказка. Может, поэтому ее так хочется прочесть.
Про копенгагенский проект POUF можно сказать match, made in heaven — он про винтаж и сет-дизайн. Команда проекта собирает изысканную коллекцию старинных приборов, предметов посуды, деталей интерьера — и фотографирует это так, что хочется выдвинуть ящики со своей посудой и впредь завтракать, обедать и ужинать только при условии похожих сервировок. Для этого, правда, придется обзавестись парой витых старинных ложечек в виде лепестков, подставками из ракушек, пашотницой с кисточкой и тарелочкой для икры в виде устрицы. После недели подписки на аккаунт проекта все эти предметы кажутся абсолютно обоснованным вложением.
Я бы хотела написать о прикладной пользе этого проекта, но самое главное в нем — это просто очень красиво. Можно развивать свою насмотренность как в предметном дизайне и фуд-сервировках, так и в искусстве art de vivre, просто время от времени заходя в гости в такие аккаунты, как у проекта POUF.
Девятый выпуск
В сюжетах художницы Yukiko Noritake переплетаются сказочные миры и узнаваемые пространства современных городов. Иногда их легко перепутать между собой: даже знакомые городские пейзажи обретают черты сказочности, будто бы они — иллюстрации к книге волшебных историй. Сказка пробирается и в чудные интерьеры, и в пейзажи, и даже в портреты.
Отдельная тема в творчестве Юкико и самостоятельный персонаж — Париж. Смотреть на его улицы через призму Юкико — словно смотреть на мир через калейдскоп: все шероховатости становятся намеренными узорами, обилие разрозненных цветов и деталей превращается в упорядоченный, гармоничный ритм. В работах, посвященных этому городу, чувствуется какое-то особое нежное внимание и чуткость: возможно, это связано с тем, что Юкико, японка по происхождению, однажды переехала в Париж для учебы и работы — и до сих пор продолжает знакомство с ним.
Работая на стыке сет-дизайна и флористики, команда проекта превращает цветы в отдельный медиум. Растения в руках студии вступают в диалог с пространством, вторя ему, дополняя или даже формируя его; цветы создают удивительные тандемы с вазами — или с неожиданными предметами, выступающими в их роли. Или же цветы остаются самодостаточным инструментом, становясь и формой, и содержанием, как в одних из последних опубликованных букетов студии — охапках тюльпанов, завернутых в «вазу» из собственных листьев.
В аккаунте проекта собраны и отдельные арт-проекты, и результаты работы с различными пространствами в Нью-Йорке, и личные посты основательницы студии Алекс, и будничные рабочие моменты: эксперименты, бэкстейджи, поиски вдохновения в лесу. Абсолютно неудивительным образом самые разные форматы складываются в одну красивую, гармоничную галерею, ведь всё это — с любовью к цветам.
Аккаунт художницы Kamila Kansy. В описании профиля написано: I am a storyteller, и это считывается с первых секунд. Работая в смешанной технике — фотография и коллаж — художница словно рассказывает сказку, полную загадок и притягательной меланхолии. Лес, луна, синий цвет, такой характерный для ночи, черный ворон, следы на снегу, девушка, идущая босиком, — образы и лирические герои Камилы повторяются, переплетаются, оставляя нас гадать о таинственной связи, которая лежит в основе всех работ.
При такой насыщенности образами в картинах Камилы очень много пространства. Минимальными средствами и цветами художница создает миры в каждой отдельной работе — или, скорее, пространство для мира, который мы сами придумываем, глядя на них. Они — истории, поставленные на паузу. В них виден лишь момент, лишь остановленные на полуслове герои, догорающий костер — но за ними так легко представить, как разворачивается действия по обе стороны оси: прошлое и будущее всегда дышит где-то рядом.
Художественный мир Pantovola — словно призрак вымышленной викторианской эпохи. Через полутона, дымку расплывчатых цветов, полупрозрачные ткани в работах художницы видится что-то смутно знакомое, то, что-то вот-вот сорвется с языка, но никак не дает себя поймать. Исследуя символизм фольклора и сказок, Pantovola переосмысляет узнаваемые образы, превращая их в свой инструмент.
Из папье-маше, текстиля, кружева и образов рождаются картины, скульптуры, диорамы, гобелены и главное — куклы, маленькие путешественники в вымышленном времени и пространстве, которых художница словно приводит в наш мир.
Восьмой выпуск
Проект, который оцифровывает забытые, потерянные и вновь найденные в архивах пленки. Это могут быть пленочные архивы советского путешественника, кадры в семейный фотоальбом или свидетели будничной жизни, которую поймал в объектив обычный человек несколько десятков лет назад. Благодаря проекту можно посмотреть на случайные города и страны в случайные моменты времени — вот цветочная ферма в Амстердаме в 1958, вот карточка «влюбленных» из Парижа 1970-го года, вот архив кадров из поездки советских дипломатов в Пакистан.
Для меня здесь важны не столько сами фотографии, сколько оптика «обычного человека». Нам неизвестен автор кадров, неизвестно, кто это — люди на фотографиях, нет имен и дат, но среди этой безымянности нам позволяют взглянуть на куда более сокровенное — свидетельства жизни, то, что именно человек счел интересным, достойным быть запечатленным на один из 36 кадров пленки. Так вырастает безымянный, но точный и красочный образ, в котором есть что-то очень честное и трогательное. Кажется, это тот самый случай, когда искусство становится таковым без какого-либо намерения, просто существуя.
За иллюстраторкой Nina Cosford я слежу лет, кажется, десять, и за это время мне ничуть не надоели с первого взгляда однообразные картинки. Я учусь у Нины наблюдательности — меткому взгляду на повседневность, который умеет выхватить сюжет из ситуации, о которой, казалось бы, сказано уже всё, что можно сказать.
Кажется, что герои мини-комиксов или инфографики Нины — сама жизнь, и изобретательность художницы раз за разом оборачивает знакомые паттерны — мини-комикс, забавную инфографику или серию портретов — во что-то новое и неожиданное: несколько способов носить берет, репрезентацию типов пучков у ключевых женщин Английской литературы, топ-4 причины для плохого настроения.
Но мое любимое — это иллюстрированное наблюдение за людьми: простыми прохожими в Лондоне или самой собой — фиксировать свое настроение или образ дня. Сейчас я бойко держусь привычки вести свои визуальные дневники, и к Нине иду каждый раз, когда глаз замыливается, а сюжеты для картинок не видятся. Спустя пять минут в ее аккаунте я не знаю, как уместить все свои вновь найденные сюжеты на один разворот в день.
Пролистав один номер The Plant в локальном журнальном магазинчике в Вене, не смогла не увезти его с собой — пусть этот килограмм чистой красоты и стал фатальным для моей ручной клади. О журнале с похожей тематикой я уже писала в одном из выпусков «Услады», но в этом случае тема чуть шире: в объектив The Plant попадают проекты не только с «цветочной» тематикой, но все, имеющее отношение к растениям в целом. Порой это ограничение, кажется, и вовсе становится номинальным, и я бы сказала, что главное, на чем фокусируется The Plant, — исследование всего природного, фактурного, материального, близкого к земле, широкое, как мир, и подробное, словно почва в микроскопе.
Самое интересное начинается, когда происходит синтез природной темы с работами фотографов, художников и сет-дизайнеров, из которых состоит отменная команда журнала. Узнаваемая смелая и при этом деликатная, тонкая интонация обложек и съемок внутри номеров — то, что остается для меня загадкой, которую и не хочется разгадывать, хочется только с любопытством наблюдать, куда она заведет и что нового будет на этот раз.
Некоторые съемки и истории можно подсмотреть в аккаунте проекта или на сайте, но лучший способ погрузиться в этот визуальный опыт — конечно, медленно перелистывая страницы журнала, сам вес и формат которого будто намекает, что это дело серьезное — разложить на рабочем столе, задерживаться на каждой странице, с обязательным кофе и отключенными уведомлениями. Везти из Европы самим для этого необязательно: в Москве журнал, как оказалось, тоже можно купить — его привозят ребята из Перспективы и Le BigMag.
Художница и вышивальщица Mille Amber живет в Лондоне и создает работы, которые становятся мини-порталами в двоякий мир — готическую сказку, нарисованную яркими цветами. Орнаментальность и простые, узнаваемые сюжеты, в которых легко проследить визуальную связь с форзацами средневековых книг и иконописью, вызывают приятное ощущение узнавания — где-то мы точно это видели. Особенное удовольствие — наблюдать, как сюжеты и настроение перетекают материала в материал: иллюстрации чередуются с вышивкой и коврами, обретают форму подушки, амулета или вымпела.
Изредка Милли делится моментами из рабочей студии — фотографиями стола, интересной комбинацией обрезков и процессом подбора цвета или паттерна или изнанкой вышивки. Эти фотографии тоже наполнены светом и яркими цветами. Такие простые кадры вдруг возвращают нас из сказки в реальность — и я вижу в этом столкновении фантастического с обыденным ценное знакомство с миром человека, руками которого создается выдуманная сказка, и напоминание о том, что это под силу и мне.
Седьмой выпуск
Ханна и Фе — две подруги из Берлина, которые рассказывают истории с помощью еды. Именно так они формулируют суть своего проекта Herrlich dining. Главные герои — это фрукты, овощи и их бесконечные сочетания с посудой, пространством вокруг и друг другом.
Сервировки Herrlich dining — это пример того, как одни и те же законы композиции, цвета, баланса работают на любых материалах: если вместо карандашных рисунков будут настоящие огурцы или персики, в целом ничего не поменяется, но станет только интереснее. У девушек можно поучиться смелости сочетать различные фактуры и перепридумывать суть объектов, абстрагироваться от знакомого понимания объектов, чтобы использовать их как материал в первую очередь.
Багеты могут стать «кирпичиками», ящик персиков превратиться в застывшую волну, несъедобные, несозревшие кабачки будут прекрасным украшением стола, а с мини-бутербродами можно играть почти как с лего.
Выверенная визуальная сторона не отменяет того, что все блюда — съедобные. Можно забирать этот аккаунт в ресурсы вдохновения не только для проектов и съемок, но и для случайного будничного завтрака.
Иллюстратора и дизайнера Карин можно назвать моно-художником: аккаунт, в котором собраны ее работы, практически полностью посвящен стульям. Изредка стулья разбавляются кофейниками, лампами, блюдцами или туфлями, но все-таки на большинстве картинок — тонкие, изогнутые, мягкие, жесткие, прямые, витиеватые, пластиковые, деревянные стулья-стулья-стулья. До встречи с работами Карин сложно было представить, сколько новых углов и комбинаций можно найти, казалось бы, в таком простом знакомом предмете и сколько может быть способов о нем рассказать на языке рисунка.
Это очень похоже на упражнение на внимательность к обыденным, повседневным вещам, когда художникам предлагается искать сюжеты для работ буквально на расстоянии вытянутой руки, из того, что окружает нас каждый день. В аккаунт Карин можно увидеть, что будет, если такое упражнение-фиксация перерастет во что-то большее и станет лейтмотивом творчества: получится неожиданно, стильно и завораживающе. Возможно, чем дольше изучаешь вещь, тем интереснее и сложнее она становится.
Из разношерстного набора картинок и предметов, будто бы сбежавших со страниц «Алисы в стране чудес», складывается целая онлайн-галерея, за которой очень интересно наблюдать. А кампейны отдельных предметов и сервировки, которые собирает Анамария, учат не бояться вписывать такие необычные, порой на грани китча, объекты в привычные интерьеры.
All Kinds — магазин и мудборд, созданный Анамарией Моррис. В названии проекта зашифровано предупреждение о том, что нас ожидает внутри, потому что это действительно может быть что угодно — подсвечники, вазы, часы в виде торта или верхушка свадебного торта в виде креветок и еще десятки разных объектов, у которых нет прямой связи, но точно есть общее настроение. В этой выдержанности — одна из главных ценностей проекта. Какими бы безумными ни были новые вещи, они все удивительно гармонично вписываются в сложный визуальный код All Kinds. Подсказки к его разгадке автор добавляет в аккаунт вместе со своими предметами, собирая вдохновение и референсы у коллег по сет-дизайну, художников, флористов и ландшафтных дизайнеров.
В арт-лаборатории CHUKA, созданной Женей Шишкиной, оживают забытые в детстве эксперименты с батиком или tie-dye (наверняка каждый из нас хоть раз в жизни пробовал покрасить так свою футболку или джинсы). С помощью косточки авокадо, капусты или цветов команда проекта творит, кажется, магию в реальном времени. В своих постах ребята делятся техниками, научными объяснениями процесса окрашивания, вдохновением и — самое ценное и красивое — результатами. В результате завораживающей работы получаются сложные, глубокие оттенки, непередаваемые в диджитал-пространстве, и неповторимые узоры.
На сайт и в аккаунт проекта точно стоит прийти, чтобы набраться вдохновения на поиск и изобретение текстур из подручных материалов (как только свыкнешься с мыслью о краске из косточки авокадо, CHUKA удивляют принтом, полученным из гвоздей, например!). Или пойти еще дальше — и попробовать поэксперементировать с техниками самим!
Шестой выпуск
На сайте креативной студии Gruppa можно утонуть в избытке цвета, а глаз сразу выхватывает узоры и формы, знакомые с детства — то ли с фигурок с городской росписью, то ли из сборников сказок. Как говорят Даша Аникеева и Кирилл Борисов, создатели студии, один из главных принципов их работы, отраженный и в манифесте проекта, — опора на фольклорное искусство и обращение к локальным традициям, идущим далеко из прошлого.
Внимание к наследию встречается со стремлением к функциональности и использованием декоративных методик: так разрушаются привычные литературные и функциональные связи дизайна и возникает уникальный подход, выделяющий все продукты студии.
Футболки с принтом, керамика, плакаты с ягодой-калинкой и узнаваемыми цветами с росписей, холсты — яркие, графичные работы возникают на самых разных носителях и буквально «несут» переосмысленные образы в мир. Для меня это отличный пример деконструкции визуальных традиций и того, как может существовать фольклорное искусство прошлого в современной жизни, а не только в музейных коллекциях. Так создатели Gruppa напоминают, что для создания чего-то нового необязательно идти в неизведанное, — необходимые инструменты уже есть у нас, в нашем культурном коде и в традициях нашей визуальной культуры. В умелых руках они становятся конструктором, который можно пересобирать несчетное количество раз.
Зарисовки и визуальные дневники, на страницах которых появляются будничные детали вроде кофейных чашек или раскрытого на столе журнала, — это привычное дело. Но не так часто они выходит за формат карманного блокнота и становятся главными героями, как это происходит в работах Марии, иллюстратора и художницы из России. Любимые объекты Марии — повседневные вещи: книги, кофейник, туфли или баночки от шампуней, которые удивительным образом обладают собственным характером и интонацией. Художница разглядывает их пристально, как портретист исследует модель, прорисовывая детали застежек туфель или в точности повторяя рисунок с обложки журнала, но при этом сохраняет удивительную условность изображения. Это одновременно и реалистичный, узнаваемый предметный мир, и выдумка автора.
Идея дать большое значение маленькому и незаметному, внимание к обыденным вещам помогает «откалибровать» умение замечать любопытные детали в повседневности, увидеть красоту окружающих нас предметов и их глубину. А еще такая вещественность, материальность работ кажется очень честной: мы узнаем в них самих себя, с любовью к одежде, посуде, книгам, а еще знакомимся и с самой художницей — ведь это, по сути, и ее портрет тоже.
Букеты из сухих роз, бобовые елки, сердце из хлопка, бант из кожуры кабачка, кусочек сливочного масла в форме кролика, цветы из лент, бокалы из раковин. Всё это — работы студии флористики CENTÁ, занимающейся сет-дизайном и фуд-стайлингом в Лиссабоне. Студия создает композиции для разных проектов, оформляет мероприятия, постоянно выходит за рамки того, что считается конвенционально эстетичным, и задает тренды, на которые откликаются и в индустрии, и — слегка преобразованные — в домашних сервировках.
Кроме того, что с каждым новым постом CENTÁ не перестает удивлять своими находками, большое достижение проекта — это сохранение одного и того же настроения, соблюдение принципов и единого подхода, что помогает выделять их работы среди других независимо от того, каким проектом они занимаются в тот или иной раз. Этот аккаунт можно использовать и как вдохновение на сумасшедшие сервировки, и как пример четко выстроенной визуальной концепции, которую можно применять в самых разных направлениях. Выдержать единую интонацию, вне зависимости от того, что используют создатели в работе — диантусы или клубни картошки, — это большое мастерство.
Нежные, мягкие, обволакивающие своим светом и цветом картины — художница Нина Кольчицкая часто рисует пейзажи, но прежде всего в них видна любовь. Насыщенная яркими, вибрирующими цветами палитра и растительные мотивы то и дело повторяются на полотнах, а иногда перерастают во фрески на стенах. Мечтательные, словно возникшие из снов, работы сочетают в себе что-то от импрессионистов и японской живописи одновременно. Одна из моих любимых серий, l’Amour en trois actes (Любовь в трех актах), закреплена у Нины в самом верху странички — она согревает своим теплом даже через экран.
Кроме живописи в аккаунте Нины много кадров из жизни в Париже, случайных натюрмортов, коллажей — они красиво сочетаются с работами и показывают, как тесно жизнь и творчество связаны между собой: цвета и чувства во всех картинках, фотографиях и работах — об одном.
Пятый выпуск
Когда открываешь профиль Свантье, кажется, что попадаешь в какой-то идеальный игрушечный мир — с яркими, открытыми цветами, наивными геометричными принтами, мебелью и предметами словно из детского набора конструктора. Негласному кодексу подчиняется все: от иллюстраций и проектов на заказ (Свантье — дизайнер и иллюстратор) до интерьера и образов самой создательницы этого мира. Для меня это очень наглядный и вдохновляющий пример «жизнетворчества» — когда все, что создается художником и в работе, и в жизни, становится продолжением его видения мира вообще.
Из-за обилия деталей — рассматривать и рассматривать! — поначалу кажется, что в аккаунте Свантье собраны разные ее проекты. На самом деле большинство интерьерных фотографий сделаны в ее собственном пространстве, которое настолько многогранно, что постоянно находятся новые ракурсы и уголки, которые заслуживают пристального внимания. Меня покорили эти небольшие эти детали интерьера, которые задают игривый тон и превращают пространство в кукольный домик: тележка-коляска, которая играет роль столика, разноцветные ящики, плитка, узорчатый текстиль.
Визуальная коммуникация бренда — одна из важнейших составляющих его айдентики и продвижения, на которую я часто обращаю первое внимание. В моей папке вдохновения сохранены примеры брендов с уникальной, четкой и узнаваемой коммуникацией. MORФEUS занимает там почетное место: и как пример хорошего сет-дизайна и проработанного фотостиля, и как напоминание, что для продвижения продукта необязательно постоянно фотографировать сам продукт. В аккаунте бренда не только фотографии одеял и пледов (хотя они есть и они тоже прекрасные — с узнаваемой композицией, мягким светом и цветом), но и картинки с настроением, в которых предметы быта, фирменная упаковка или детали интерьера обретают статус персонажа.
В прошлом году одеяла и покрывала MORФEUS вышли на улицу Берлина — съемка с комплектами бренда стала продолжением коллаборации со Школой Дизайна НИУ ВШЭ. Кадры с подушками и одеялами, которые оказываются в самых разных местах — на тротуаре, у столба, на земле, – отражение идеи, выраженной в названии коллаборации: «Дом там, где ты сейчас».
Отдельного внимания заслуживает упаковка и брендинг проекта в целом — из ограниченной палитры, акцентного шрифта и «плакатных» надписей, которые появляются на стикерах, коробках и в постах, складывается фирменный стиль, в котором есть место и структуре, и игривости. Особенно мне нравится контраст «серьезного» шрифта и шутливых каламбурных фраз, написанных им: «welcome to the bedguys club» или «the towel. use after singing in the shower».
В иллюстрациях Габриэль Монсо мне особенно нравится ее работа с мотивами и паттернами, которые могут быть частью картинки или становиться ее обрамлением — вокруг сюжетов нередко вырастают узорчатые рамки в несколько слоев. В этом прослеживается некоторая «лубочность», которую поддерживают нарочитая схематичность и простота. Эту же игру продолжают сюжеты и герои, которые часто изображены «плоско», в профиль, без использования перспективы — словно они, пусть при своем характере и наборе действий, все равно остаются частью общего узора.
С этим всем удивительно сочетается цветовая палитра, которую художница соблюдает во всех работах. Немного тусклая, словно выцветший ситец, она создает ощущение, что иллюстрации Габриэль мы пролистываем как винтажный журнал из конца прошлого столетия. Получается интересная смесь картинок в духе Ивана Билибина, эстетики комиксов восьмидесятых и сюжетов из современной реальности: работы Габриэль с их нежными героями часто становятся высказываниями на политические и социальные темы.
Аналоговые инструменты и ручные техники ремесла — то, к чему интуитивно тянешься в момент всеобщей диджитализации, и тепло от созданного вручную, без помощи пикселей, парадоксально чувствуется через тот же экран. В аккаунте Московской мастерской по проявке фотографий собраны кадры, сделанные на пленку: под каждым подписаны название использованных пленки и сканера. Это напоминает о том, через какие процессы изображение должно пройти, чтобы появиться — пусть и в цифровом виде — на моем экране. Все фотографии сняты разными авторами, но их объединяет этот удивительный эффект, который можно только стараться передать с помощью программ и так до конца и не повторить. Получается отличная подборка, которую можно смотреть подряд, а можно переходить к авторам каждого снимка и открывать для себя новых фотографов, как я делаю уже пару месяцев.
Четвертый выпуск
«Объединение» — это онлайн-галерея современного искусства, которая находит и поддерживает молодых авторов. В журнале на сайте галереи — новости о выставках, новые имена в мире современного искусства, разговоры с художниками.
Больше всего я люблю рубрику «мастерская», в которой собраны интервью с художниками и рассказы о пространствах, в которых они творят. Это возможность узнать про внутреннюю кухню, посмотреть на студию художника, подглядеть за процессом работы: будто побывать в светлой мастерской Никиты Лукьянова, полюбоваться на вышивки Анны Самойловой или посмотреть на стены, завешенные графичными работами Максима Трулова и Ксюши Ласточки. Именно через «мастерские» я часто нахожу для себя новые имена — и сразу погружаюсь в контекст.
Еще из любимых рубрик — «искусство дома», в которой герои делятся своими домашними коллекциями современного искусства. Наш арт-директор Таня Серегина как-то сказала, что собирать дома искусство скоро может (и должно) стать таким же «правилом хорошего тона», как отбирать в собственную коллекцию книги или предметы интерьерного дизайна. А благодаря историям из рубрики «искусство дома» это перестает казаться чем-то сложным и недоступным: можно начинать с малого, двигаться медленно, но верно, искать с увлечением и любопытством, — так и вырастет домашняя галерея.
Последние пару недель вся лента состоит из похожих симметричных видео под бодрую музыку из «Французского вестника» — в них собраны моменты жизни, места, герои, будто сбежавшие из фильмов Уэса Андерсона. Но этот тренд запустили уже несколько назад, когда появился аккаунт Accidentally Wes Anderson. На первый взгляд может показаться, что попадаешь в идеальную кукольную вселенную, к которой мы уже привыкли в фильмах Уэса, но которую никак не ожидаешь увидеть в жизни: симметричные домики, розовые, желтые, голубые стены, игрушечные детали — вывески, ставни, дверные ручки и почтовые ящики. Это идеально подобранная коллекция, тоже почти онлайн-галерея — с работами, собранными со всего мира.
Мне кажется хорошей идеей потеряться в этом аккаунте на пару часов, набраться вдохновения на путешествия — и на то, чтобы найти кадр из фильма Уэса Андерсона в своем городе. А еще любая из фотографий в Accidentally Wes Anderson — почти готовая палитра и идея для иллюстрации. Мои любимые картинки — с табличками и объявлениями (всегда интересно посмотреть на типографику из разных стран) и, конечно, маяками.
Художник Geoffroy Pithon
Geoffroy Pithon — художник и дизайнер из Франции. Собрание его работ — триумф цвета и цветов. Меня часто пугает такая смелость с палитрой: сочетать десятки разных оттенков кажется очень сложным и даже опасным делом. Обычно хочется остановиться на чем-то привычном, маленьком и скромном наборе цветов — так спокойнее, сложнее ошибиться. Но работы Жофрэ учат не бояться цвета, доверять ему и дружить с ним. После нескольких его постов и мне захотелось «размахнуться», достать палитру и экспериментировать смело и свободно со всеми цветами, которые есть.
Кроме цвета, важный инструмент в работах Жофрэ — буквы: тексты становятся частью картин, создавая из них новое высказывание или превращая работу в готовый плакат. Это напоминает мне о синтезе дизайна и живописи, который был обычным делом еще в начале прошлого века, когда разделение между профессиями дизайнера и художника было не таким четким, как сейчас. Но Жофрэ идет еще дальше сочетания техник и направлений. Мне нравится, как графика художника выходит за рамки холста и продолжается на стенах, обоях, транспорте и одежде, на улице — кажется, что так можно создать свой мир полностью таким, каким хочется, не останавливаться на бумаге и нарисовать все, на что хватит фантазии. Как традиционные уже книги художников — livres d’artistes — только увеличенные в разы: еще смелее и безграничнее.
Телеграм-канал «Я так вижу»
Благодаря телеграм-каналу фотографа Саши Mademuaselle слежу за новыми и старыми фотографами и всеми громкими (или тихими, но все равно очень хорошими) актуальными фотосетами. Часто сохраняю себе и архивные съемки, которыми делится Саша, — если бы не канал, я бы никогда не нашла их сама: не понимала, в каких архивах искать и что их нужно искать вообще. Я знаю совсем мало имен и мне сложно ориентироваться в истории фотографии последних лет, но с такой выверенной подборкой у меня получается потихоньку изучать и собирать коллекцию своих любимых фотографов и кампейнов, к которым мне захочется возвращаться: подсмотреть новые решения или просто найти вдохновение.
Третий выпуск
В аккаунте фотографа и арт-директора Andrea Rosemercy — одни цветы, с периодическим появлением овощей и фруктов. Минималистичные, насыщенные цветом кадры выглядят, как портреты — у каждого цветка и овоща проявлен характер. В фотогалерее Андреи уже несколько десятков таких «персонажей», снятых, на первый взгляд, довольно похоже: крупный план, однотонный фон, цветок в центре. Но это никогда не бывает однообразно или скучно. Нюансы композиции, изгиба стебля — в крохотных деталях скрывается большая работа с цветом, светом, формой, текстурой.
Для меня это напоминание о том, что для хорошей картинки не нужно многого. Достаточно глубокой вдумчивой работы, чтобы одна тема не исчерпывала себя, а с помощью пристальности продолжала бесконечно открываться по-новому.
С выбранной вами периодичностью «карманная школа искусств» W1D1 присылает задания на развитие насмотренности и креативного мышления. Например, предлагает всю неделю фокусироваться на одной практике — утренних страницах или быстрых композициях из бытовых предметов — или (в про-версии) тренироваться каждый день, по утрам получая новую творческую задачу. В бесплатной версии приложения тоже есть библиотека неочевидных челленджей, помогающих примерить ненадолго новую оптику. На город, офис и свой обычный день смотришь по-другому, если везде ищешь, например, конкретный цвет или отражения.
Создать галерею из крошечных вещей вокруг, придумать хайку, сделать серию автопортретов, поймать узоры, нарисованные водой, искать лица в предметах — когда направляешь внимание на эти задачи, неожиданная красота и потенциал обнаруживают себя во всем. Так и звучит девиз проекта — «it’s about training your focus and the ability to notice beauty in everyday life».
KОТОК Playthings — российский бренд игрушек из дерева, который победил в конкурсе The Makers в 2020 году. Все игрушки бренда — отличный пример интерпретации ностальгических образов прошлого. Сочетание знакомых и знаковых элементов с современным дизайном тут настолько тонкое и изящное, что непонятно, где одно пересекается в другое. Дома у меня стоит их сова-неваляшка — этот «привет из детства» радует меня простой формой и тактильными ощущениями, ее не хочется выпускать из рук.
Ксения и Артем, создатели проекта, собирают лучшие образцы игрушек прошлого со всего мира в рубрике «Ларец» (посмотреть можно в одноименном разделе на сайте). Некоторые из этих игрушек я видела на парах по истории предметного дизайна, но большинство — новые (точнее, очень старые) для меня имена и формы. В предметном дизайне прошлого мне нравится подсматривать силуэты и формы, а в игрушеках — паттерны и идеи для иллюстраций.
В аккаунте проекта interiorandfilms собраны тысячи кино-интерьеров. Концентрация именно на визуальной стороне кинематографа помогает увидеть щепетильность в работе с композицией и деталями даже в тех фильмах, где в погоне за сюжетом на картинку не обращаешь достаточного внимания. В лишенных реплик героев кадрах становится видно, как интерьер и сет-дизайн рассказывают всю ту же историю, усиливая или дополняя ее. Это будит внутреннего исследователя: предмет за предметом кадр можно разобрать и собрать заново, как головоломку, разгадав, что и зачем в нем находится.
Даже в отрыве от сюжета эти интерьеры ценны — они показывают сочетания материалов, учат видеть работу цвета. Я особенно люблю фильмы второй половины XX века: в них часто можно встретить неожиданные примеры предметного дизайна или совершенно сумасшедшие цвета. И приятная, но впечатляющая мелочь, — в ленте аккаунта подборки интерьеров движутся от одного цвета к другому, создавая плавный градиент.
Второй выпуск
Журнал Blumenhaus
Blumenhaus — молодое немецкое издание о ботанике и искусстве. Пока я мечтаю о бумажном журнале (осенью вышел уже третий выпуск) и наблюдаю за чужими счастливыми распаковками, их посты регулярно становятся источником моих новых подписок: не пытаюсь даже посчитать, скольких художников, сет-дизайнеров и фотографов я нашла благодаря этому проекту.
В отличие от других подобных аккаунтов-сборников, становящихся площадкой для рассказа о разных художниках все посты в Blumenhaus объединены темой ботаники. Цветы на снегу, цветы на теле, цветы под стеклом, цветы из стекла, мебель из цветов и еще несколько сотен вариаций на тему растений — кажется, я с удовольствием вела бы подобное исследование сама, но меня опередили. А я только рада.
Телеграм-канал «Теледжина»
Автор канала, Катя Телегина,— режиссер, который пишет о кино, а точнее о художественной стороне кинематографа — цвете, сет-дизайне, костюмах в массовых новинках и в нишевом кино. Постоянно подсматриваю у нее фильмы в список «must watch», места, куда хочется поехать, идеи цветовых сочетаний и образы для предметных съемок.
Мне нравится серия заметок под хэштэгом #локация, который объединяет статьи о популярных в кино местах и пространствах. Из последнего — Катя рассказала о замке Хатфилд и показала, как по-разному может выглядеть одно и то же, само по себе характерное пространство, в зависимости от того, появляется ли оно в «Бэтмэне», сериале «Корона» или в экранизации «Орландо» Вирджинии Вульф.
В аккаунте @strangedesires есть сапоги-казаки в блестках и кокошник, форма танцовщицы середины 50-х и расписной льняной плащ. Кажется, что, подписавшись и изучив внушительную коллекцию, можно привыкнуть ко всему, но каждая новинка все равно удивляет. Вещи, которые там появляются, не могут существовать даже в воображении, настолько они по-хорошему нелепые и неожиданные. Вот я вижу фотографию такого предмета, пытаюсь представить историю человека, который мог им обладать, и мое воображение растет вширь — теперь в нем есть контейнер для конфет в виде лобстера или костюм на Хэллоуин, сшитый из нескольких Микки Маусов. У strangedesires есть магазин на eBay, и когда-нибудь я осмелею и закажу там карнавальный костюм.
Такой проект точно понравится тем, кто интересуется историей моды, но я вижу в нем ценность для художников и дизайнеров — все, что я нахожу, становится отличной «базой» для референсов к иллюстрациям.
Этот тест на тип креативности я проходила уже несколько раз. Недавно прошла снова и опять удивилась и вопросам, и точности результата, который не меняется несколько лет. Тест состоит из 15 вопросов, которые могут быть совершенно логичными, а могут показаться совсем неожиданными: до этого теста я никогда не задумывалась, кто я — печенье с предсказанием или деньрожденный торт, и не знала, что у меня внутри уже готов ответ.
После выбора ответа запускаются короткие вставки-анимации, которые превращают прохождение теста в визуальный опыт: кажется, что ненадолго попадаешь в мультфильм от Pixar. А в самом конце открывается твой персонаж — креативный тип, у которого, как в игре, есть свои супер-способности и сильные стороны.
Первый выпуск
Ресурс: «Орнамика»
Орнамика — это цифровой архив орнаментов и узоров, собранных в разных регионах России. Среди «экспонатов» есть как оригинальные оцифрованные узоры, так и реконструированные — векторные изображения, созданные на основе реальных орнаментов. Сейчас в архиве несколько тысяч изображений, и это огромный источник вдохновения и поход в музей прямо на экране ноутбука.
Архив может пригодиться для научной работы или проекта в креативной среде — во время подготовки моего диплома, коллекции украшений, вдохновленной культурой древней Руси, я проводила на этом сайте часы. Кружевные орнаменты тянули за собой чудесных птиц на изразцовых плитках, вслед за ними я попадала на резьбу по металлу, причудливые украшения, и в конце концов находила себя с десятками открытых вкладок, но их количество не вызывало у меня панику — скорее, предвкушение, что передо мной открывается новый бесконечный мир.
Видео: Nowness
Про Nowness мне рассказала Вика, наш куратор рассылок и ex-пиар-менеджер. Это видео-проект о культуре в самых разных ее проявлениях: каждое видео рассказывает о проектах в области кино, дизайна, музыки, искусства; там и приглашение в гости к Оливии Лэнг, писательнице, благодаря которой многие открыли для себя и полюбили автофикшн, и рассказ о «поэте среды» Артуре Паркинсоне и его саде из серии Great Gardens, и видео-портрет лондонской балерины Лорен Катбертсон.
Часто видео Nowness уже сами по себе — история и искусство. Над каждой серией работают редакторы, операторы и кураторы — все для того, чтобы создать удивительный рассказ, усиливающий восприятие сюжета и героев на всех уровнях. Как говорят создатели проекта, через такой визуал, сторителлинг и нарратив им, прежде всего, хочется показывать красоту повседневности.
Человечный дизайн, дизайн как рефлексия, дизайн как дневник — так я думаю о работах американского дизайнера Stefy Loret. Свой подход к работам она описывает как «систематический, сдержанный и идущий от содержания». Чувства и слова сведены до минимума и обретают нетипичные формы алгоритмов, схем и инструкций, сухой документации, которой при этом удается оставаться очень близкой и понятной, сохранять искреннюю интонацию.
Картинки, которые создает Стефани, объединены одним настроением, они очень материальны — напоминают отсканированные документы, старые полароиды, бумажки, сложенные вчетверо и забытые в дальнем ящике. Они рассказывают нам о сложных вещах простыми словами, заключая рассуждения на темы самопознания, несовершенства, ежедневных привычек в пару предложений и схематичные рисунки.
Что делать, когда тяжело? Вдохнуть, выдохнуть. Как соединиться с Землей? Встать голыми ногами на землю; дышать глубоко и медленно; обозревать то, что окружает в настоящий момент. Как это — жить? Начинать сначала; начинать сначала снова.
Правило не судить книгу по обложке сегодня, кажется, уже не работает. Книга давно стала мультимедийным объектом, в котором обложка, форма, цвет — не просто контейнеры для слов, а важные элементы создания опыта, которые усиливают текст. Что мы чувствуем, когда берем в руки книгу — неожиданную легкость или приятную тяжесть? Мы касаемся страниц, перелистывая их медленно или нетерпеливо, какие они — гладкие или шершавые? Основной текст набран мелким шрифтом или раздражающе крупным — почему так? Такое понимание книги как объекта я открыла для себя во время учебы после семестра, посвященного типографике, и теперь не могу и не хочу от него отказываться, часто выбирая книги именно из-за «обложки».
Книга «Выгон» Эми Липтрот сама прыгнула мне в руки, и мне не захотелось ее отпускать. Не читая содержания, я пролистала несколько страниц и почувствовала, как на меня подули холодные ветра Шотландии. Даже при беглом пролистывании книги в глаза бросились крупные заголовки, зернистые черно-белые фотографии и открытое пространство пустых страниц. Почему макет «Выгона» получился именно такой, и почему это важно для восприятия текста — об этом хорошо рассказывает создательница обложки и дизайн-макета Анна Сухова.
Читайте также:
По понедельникам будем присылать
письмо от команды, а по пятницам —
подборки лучших материалов
