Текст: Ксения Тычкина, Евдокия Мельник
Фото обложки: спектакль «Поле»
Иногда кажется, что современный театр — что-то замудренное, слишком необычное и многослойное. А понять новые постановки смогут лишь театралы и культуроведы. На самом же деле театр сейчас, как и всегда, рассказывает об одном — об обычных людях, о простой (и не очень) жизни. Мы пообщались с режиссерами, драматургами, хореографами театра «Практика», чтобы разобраться, что такое новый театр и почему современные спектакли — это классно.
Мы взяли четырех авторов разных произведений: семейного спектакля «Деревенские истории, известные и не очень», хореографического «Наедине с собой», современного «Расскажи мне про Гренландию» и постановку по классическому тексту «Поле». Каждый из авторов видит новый театр по-своему. Но при этом их ответы складывают картинку в единый пазл — многогранный и от этого еще более интересный.
Марина Брусникина
Художественный руководитель театра «Практика» и режиссер спектакля «Поле»
Мой муж Дмитрий Брусникин на вопрос «Что такое современный театр?» отвечал так: «Это театр, который современен». Современный театр сегодня в России разнообразен, что и хорошо. В студенчестве, когда мы показывали свои работы Олегу Николаевичу Ефремову он говорил: «Ну и такой театр может быть…». Это, конечно, все шутки. Самое главное, чтобы было талантливо. А когда талантливо, глубоко, содержательно и самобытно, сравнивать ни с европейским театром, ни с тем, что было до, не приходится.
Читайте также интервью с Брусникиной: «Театр не может не откликаться на реальность: интервью с Мариной Брусникиной».
Спектакль «Поле», поставленный Мариной Брусникиной, — переосмысление «Материнского поля» Чингиза Айтматова. История про женщин, потерявших близких мужчин на войне и оставшихся один на один со своим горем и судьбой.
Про спектакль читайте больше: «Бойся, но не бойся идти»: театральный марафон».
Текст Айтматова забыт среди молодежи, хотя по масштабу его можно считать советским Маркесом, именно поэтому мне было важно напомнить или открыть эту историю зрителю. На сцене всего пять героинь, голос которых складывается в хор судьбы целого народы и страны. Для меня этот спектакль про рок, невозможность сопротивляться глобальным катастрофам и мужество их принимать, переживать и жить дальше. Про то, что жизнь вечна и все равно будет продолжаться.
Театр (раньше, сейчас и в будущем) показывает человеческую судьбу в разных обстоятельствах — это может быть как классическая постановка, так и иммерсивная, интерактивная, с прямым погружением зрителя в действие.
Юрий Макеев
Режиссер спектакля «Деревенские истории, известные и не очень»
Я живу в деревне: вместе с семьей и командой мы создаем театр для местных жителей. Мои соседи — крепкие мужики-богатыри, которые любят Родину, работают на земле, носят бороду. Смотрел на них и думал: как бы могли выглядеть настоящие богатыри из русских сказок, какая у них была повседневная жизнь?
В тот момент природный парк «Кудыкина Гора» в Липецкой области предложил мне поставить спектакль для фестиваля русских сказок. Первым делом я вспомнил про своих богатырей. Собрались, поехали на Кудыкину гору и на берегу озера у гигантского Змея-Горыныча, с гусляром, балалаечником, баянистом мы и сыграли свой первый «народный» спектакль.
Спектакль «Деревенские истории, известные и не очень» рассказывает, как на Руси крестьяне придумывали небылицы и сказки. На сцене всем известные «Курочка Ряба», «Колобок» и «Репка» — в постановках принять участие могут и взрослые зрители, и малыши.
Работая над постановкой, мы обращались к образу жизни крестьянина. Как проходит его отдых? А как на свет появились народные сказки? Неужели они обращены только к детям? Их же могли рассказывать не только младшим, воспитывая, но и друг другу.
А что такое сказка? Это история. И каждый рассказчик вносит в нее что-то свое, придумывает какие-то новые детали, что-то додумывает. Так и родилось место действия — изба, время — XVIII–XIX век, главные герои — три простых мужичка Илюша, Алеша и Добрыня. Они трудятся в поле, а на отдыхе соревнуются: кто дальше семечку плюнет, кто больше от яблока отгрызет, кто гвоздь лучше вобьет, а у кого небылица получится диковиннее.
Интересное о сказках: «Комиксы, мемуары и сказки: 9 нестандартных путеводителей».
«Театр Вкуса» — семейный театр. И нам очень важно говорить со всеми поколениями семьи, поэтому в спектакле ключевые роли играют папы из зала. А в сюжетные линии мы добавляем образы, шутки, близкие и взрослым, и детям. Наши зрители — наши партнеры. В этой игре, как в танце — есть тот, кто ведет (актер), а есть тот, кто идет за ведущим (зрители). Иногда они помогают, а иногда мешают, ведь историю в этом дуэте знает только «танцор-актер». Так что мы должны быть уверены в своем рассказе. Именно так работает иммерсивный театр.
Театр — не только постановка, но и текст. А молодые драматурги и их произведения — что-то новое, дерзкое и немного «острое». И хотя они «блуждают в темноте», постановки по их текстам заставляют переосмыслить себя, театр и себя в театре.
Спектакль «Расскажи мне про Гренландию» поставлен по пьесе Сергея Азеева и Ляли Петуховой. Здесь простая, казалось бы, история про учительницу географии, которая приезжает в провинцию, чтобы рассказать местным подросткам про что-то новое и интересное. Но в итоге привычный конфликт «учитель-ученик» перерастает банальности и превращается в колючее, ершистое противостояние.
Сергей Азеев
Режиссер, драматург, соавтор пьесы «Расскажи мне про Гренландию»
Чтобы молодому драматургу проявится, важно искать острые темы и находить оригинальный способ, чтобы рассказать про них — например, предложить новый язык или сделать качественную проработку уже устоявшегося стиля. В таком случае, на мой взгляд, работа точно будет отмечена. Ведь современная драматургия — это все, что пишется здесь и сейчас и отражает как вечные, так и актуальные проблемы.
Забавно, но иногда идеи для текстов ко мне приходят из социальных сетей или из случайно рассказанной истории. Так и с «Гренландией» — текст родился из моей студенческой постановки в РГПУ им. Герцена мастерской М. К. Лавровой. Меня пригласили поработать с сокурсниками, а делать какой-то уже написанный материал мне было неинтересно. Да и ребятам тоже. Мы пообщались с ними и сошлись на теме безразличия. А потом случайно подвернулся пост про учительницу в социальной сети. Немного смелости и вот — пьеса готова.
Режиссеры-преподаватели о том, чему можно научить и научиться в совместной работе со студентами: «Надо создать такие условия, чтобы человеку хотелось творить».
Ляля Петухова
Драматург, соавтор пьесы «Расскажи мне про Гренландию»
Что такое современная драматургия? Тут должен быть короткий лаконичный ответ — «да фиг его знает». Что-то потерянное, ищущее новую форму существования. Одним словом, осьминог — у него отрубают щупальцы, а он растит новые.
Был период, когда казалось, что общество сильно продвинулось в сторону уважительного и внимательного отношения к молодым специалистам, художникам, авторам. Раньше драматурга (и начинающего в том числе) видели как «рок-звезду», писать для театра было чем-то крутым. Но сейчас многое растворилось, распалось, на мой взгляд. Теперь ощущение будто блуждаешь в темноте — не можешь найти тему, собственный интерес или внимание зрителя.
Хорошо, когда тема приходит так: в жизни тебя вдруг что-то настолько «заволнует», что ты не можешь не писать. Получается, решаешь свои проблемы с помощью театра. А иногда тебя ничего не «волнует». Бывает, не знаешь, как о «волнующем» сказать. Или понимаешь, что «волнует» это в общем-то только тебя. Тогда тема приходит извне. Например, что-то было прочитано, и например, не тобой, а Сережей Азеевым. Он так авторитарно говорит: «Надо про это написать — будет круто, это гениально, вот это идея». И теперь у нас есть пьеса, а в ее основе учительница, жертва — архитипичные образы, которые всегда привлекают читателя.
Современные постановки могут быть хореографичными, мелодичными, ритмичными — когда движение начинает главенствовать над словом. «Наедине с собой» — пластический спектакль по мотивам стихотворений Иосифа Бродского про муки творчества и выбора.
Анна Дельцова
Хореограф спектакля «Наедине с собой»
Александр Тронов
Хореограф спектакля «Наедине с собой»
Дельцова: Когда нам задают вопрос, почему Бродский, мы шутим, что это он выбрал нас. Спектакль рождался практически сам по себе, а материал непринужденно копился на протяжении шести лет, настаиваясь, как хорошее вино.
Тронов: Все началось с того, что лет семь назад я думал над выбором музыки для новой хореографии и ничего не нравилось. Решил пойти по нетривиальному пути и выбрал стихотворение Бродского «Второе Рождество на берегу…» — запись, где он сам читает его. Почему Бродский? Да вы послушайте, как он исполняет свои произведения, этот ритм, динамика, манера — они покоряют сразу.
Как быть наедине с собой в материале «Нужно ли человеку одиночество?»
Д: Спустя год уже я обратила внимание на творчество Бродского, взяв за основу «Не выходи из комнаты…» для создания соло. Таким образом у нас получилось уже две короткие миниатюры. На этом мы не остановились и решили создать совместный дуэт на «Шесть лет спустя», добавив в копилку еще одну часть. После — долгая работа, новые решения и премьера в Монпелье в 2021 году. А затем предложение от театра «Практика» поставить полноценный спектакль.
В спектакле всего пять стихотворений, которые становятся своеобразным каркасом. Бродский написал их приблизительно в один период времени, а мы услышали в них подходящую стилистику и атмосферу.
Т: Произведения мы выбирали инстинктивно. Для нас очень важно было то, как стих звучит, его ритмика, и конечно смыслы и аллюзии. Чем их больше в тексте, тем для нас больше пищи для физических метафор.
Мы изначально танцоры из street dance культуры (различные стили танца, которые развились вне профессиональных студий, например, на улицах — Прим. ред.). А уличный танец — это далеко не про патетику и пафос. В своих постановках мы не любим «лить воду» и заниматься «телесными медитациями», которыми грешит современный танец. Наша задача — держать зрителя во внимании все время, поэтому мы часто меняем техники, с помощью которых выстраиваем наше повествование.
Д: На основе стихов мы создали воображаемый мир, этакую «комнату», в которую поместили двух героев. Для нас, как для хореографов, стихи Бродского очень музыкальны. Мне самой, честно сказать, под них хочется танцевать. Поэтому образы приходят в голову мгновенно. Может, со мной не согласятся, но я считаю некоторые его произведения очень сюрреалистины. Отсюда и некоторые решения в спектакле. В какой-то сцене основой для выбора хореографического языка может стать «ощущение и атмосфера» стихотворения. А в другой — можем поиграть с иллюстрацией. А в третьей — совсем отказаться от текста и взять за основу только лишь ритмический рисунок. Нам нравится использовать разные приемы и смешивать стилистики.
Читайте также:
